Категорија: · Уметност

18. фебруар 2026.18. фебруар 2026. гледишта.срб

Придружите се каналима Гледишта:
• Вибер | Вотсап •

• БЕЗ РЕКЛАМА • СА САМО ТРИ ОБАВЕШТЕЊА НЕДЕЉНО •

• подржите наш рад симболичном донацијом •

гледишта.срб

Птица у ваздуху: Како је Константин Бранкуши победио Америку и инспирисао савремено музичко дело

Обележавање 150. годишњице рођења Константина Бранкушија 2026. године није само велики културни јубилеј за Румунију, ово је тренутак кад светска јавност поново открива човека који је из темеља променио начин на који видимо и доживљавамо простор уметничког стваралаштва.

Као „отац модерне скулптуре”, Бранкуши је успео да спроведе своју тиху револуцију, остварујући тежњу да из хладног камена и полиране бронзе ослободи то што су многи називали „суштином ствари”.Његов пут од анонимног дечака са пашњака на падинама Карпата до вероватно најистакнутијег вајара 20. века представља једну од најневероватнијих уметничких одисеја.

Бескрајни лет његове птице надахнуо је српског композитора и пијанисту Дејана Илијића да створи своје прво дело за симфонијски оркестар – свиту која ће бити премијерно изведена у Крајови, граду који је за Бранкушија представљао пропилеје у свет уметности.

Између народног духа и модерне чистоте

Константин Бранкуши рођен је 19. фебруара 1876. године у малом румунском селу Хобица, у регији Олтенија, некада познатој под именом Мала Влашка. Његово детињство било је све само не лако. Већ као седмогодишњак чувао је овце, али некако баш у тој самоћи на непрегледним пашњацима док је ходао за својим стадом почео је и да ствара, да резбари прве предмете у дрвету, користећи древне вештине преношене генерацијама.

Овај интуитивни, детињи контакт са древним остаће његов темељни приступ чак и кад касније буде стварао најистанчанија дела у Паризу. Његово образовање почело је у Уметничко-занатској школи у Крајови, где је сам направио чак и виолину како би доказао свој неприкосновени таленат, а касније се наставило у Букурешту.

Кључни преокрет у његовом животу догодио се 1904. године. Према легенди коју је сам испредао, Бранкуши је из Румуније до Париза ишао пешке – путем дугим преко две хиљаде километара који је заправо био својеврсна иницијација у свет западне авангарде.

У Паризу је брзо скренуо пажњу великог Огиста Родена. Међутим, након само два месеца рада у Роденовом студију, Бранкуши доноси животну одлуку и напушта мајстора, изговарајући чувену реченицу: „Ништа не расте у сенци великих стабала”.Био је то почетак његовог самосталног пута ка апстрактној чистоти и одстрањивању свега сувишног.

Потрага за суштином: Филозофија невидљивог

Бранкушијева филозофија стварања била је дубоко укорењена у веровању да уметност не треба да имитира спољашњи изглед природе, него њен унутрашњи принцип: „Оно што је реално није спољашња форма, већ је реална само суштина ствари”, често је то понављао, одбацујући оптужбе да је његов рад „апстрактан”.Сматрајући своје стваралаштво заправо за израз чистог реализма, јер му је успевало да допре до самог језгра предмета.

Томе понајбоље сведочи серија скулптура „Птица у простору” (Л’Оисеау данс л’еспаце), којој се враћао готово две деценије, клешући петнаест различитих облика у мермеру и бронзи. У овим делима нема крила, нема кљуна ни перја. Постоји само елегантна, издужена линија која пресеца ваздух, проносећи надањујућу идеју полета, брзине и стремљења ка небесима.

Његов концепт „директног клесања” био је још један чин пркоса академским правилима. Уместо да направи модел у глини које би касније помоћници преточили у камен, Бранкуши је сам улазио у дијалог са материјалом, верујући да материја мора да настави свој сопствени живот искључиво под руком уметника као исконским алатом.

Та дубока духовна веза са предметом стварања довела је до настанка појединих најзначајнијих дела 20. века, попут „Пољупца”, „Успаване музе” и његовог најузвишенијег јавног споменика – Ансамбла у Таргу Жију, који је 2024. године УНЕСКО уврстио на листу светске културне баштине.

Суђење које је променило историју уметности

Ипак, у историји модерне културе, Бранкушијево име остаће заувек везано за један од најнеобичнијих судских процеса: Бранкуши против Сједињених Америчких Држава. Све је почело 1926. године кад је једна од постојећих верзија скулптуре „Птица у простору” стигла у Њујорк за потребе изложбе коју је организовао његов пријатељ Марсел Дишан.

Према тадашњим америчким законима, уметничка дела била су ослобођена плаћања царине. Међутим, царински званичници су остали, мало је рећи, збуњени пред витким комадом полиране бронзе. У њиховим очима, то није била птица.

Због свог „непрепознатљивог” изгледа, скулптура је класификована као „утилитарни метални предмет”, односно предмет за свакодневну употребу сличан „кухињском прибору или болничкој опреми”, и опорезована са 40% своје вредности. Бранкуши је одбио да плати царину, сматрајући то безобразлуком и увредом за уметност, и покренуо је тужбу.

Процес који је вођен од 1927. до 1928. године био је по свему надреалан. Адвокати владе су покушавали да докажу да је објекат „превише апстрактан” и да представља „злоупотребу скулптуристике”. Постављали су питања налик: „Ако бисте ово видели у шуми, да ли бисте пуцали у то?”, на шта су сведоци одбране, редом водећи критичари и уметници, одговарали да име дела није важно, већ естетски ужитак и хармонија коју оно изазива код посматрача.

Судија Џ. Вејт је 1928. године донео историјску пресуду у корист Бранкушија, признавши да се појавила „нова школа уметности” која користи апстрактне форме да прикаже идеје. Ова пресуда је заувек изменила правну дефиницију уметности у Сједињеним Америчким Државама, чиме је директно омогућено модернизму да коначно „пређе границу” и постане признат део опште културе. Бранкуши је победио бирократију својим непоколебљивим веровањем у истинитост облика.

Константин Бранкуши: „Отац модерне скулптуре”

Од бронзе до свите: Визија Дејана Илијића

Век касније, тај исти „лет” и борба за уметничку слободу пронашли су одраз свог лика у музици. Дејан Илијић, један од најзначајнијих савремених српских пијаниста и фронтмен нишке чувене групе ЕYОТ, своју досадашњу каријеру крунише својим првим великим оркестарским делом инспирисаним управо Бранкушијевим наслеђем.

Илијићев лични сусрет са великаном почео је у Паризу, у центру „Помпиду”, тамо у чудноватој згради преко пута Српског културног центра, где је први пут видео Бранкушијеве скулптуре у време непосредно пред један од својих концерата.

Други пресудан моменат догодио се у самој Крајови, у јуну 2025. године, током његовог солистичког наступа у Музеју уметности. Управо тада, истражујући причу о суђењу Бранкушија са америчком царином, Илијић је осетио дубоку везу са уметником који је пре једног века бранио слободу стваралаштва.

„Ниједан уметник на овом свету не може да остане равнодушан на гест уметника који се борио против конформизма и незнања,” сведочи Илијић: „Бранкуши је за мене узор уметника – борца.”

Свита под називом: „Бирд ин Спаце / Пасăреа îн Вăздух” представља музичку метаморфозу Бранкушијевих принципа. Иако је првобитно замишљена у три става који описују само суђење, Илијић је касније проширио дело како би оцртао и саму Бранкушијеву личност.

Композиција се састоји од седам ставова: Константин; Пољубац; Мăиастра; Преко Атлантика; „Али, да ли је ово уметност?”; Птица се уздиже у простор; „Једна је ствар видети далеко, а друга је стићи далеко”.

Кроз ову музичку новелу, Илијић мајсторски спаја свој препознатљиви минималистички израз, традиционалне звукове југоистока Европе, са бојама париске авангарде с почетка 20. века и препознатљивим „додиром Балкана” по којем је и познат широм земљиног шара.

Светска премијера у Крајови: Поклон великану

Избор Крајове за место светске премијере овог дела носи снажну симболику. Филхармонија „Олтенија”, институција са традицијом која датира још из времена кад је млади Бранкуши тек почињао свој пут, биће домаћин овог догађаја сутра, у четвртак 19. фебруара 2026. године. Датум није случајан – то је тачно на дан кад се навршава 150 година од Бранкушијевог рођења.

Овај концерт представља део глобалног славља: „Бранкуши 150”, које обухвата истовремене догађаје на шест континената, од Букурешта и Рима до Шенжена и Каира. Извођење Илијићеве свите у срцу Олтеније заправо је симболични повратак „Птице” својим коренима, али у облику који надилази визуелно. Док је оригинална скулптура морала да се брани пред судијама у Њујорку, Илијићева музика долази у Крајову да слави ту тешко стечену слободу стварања.

Суштина облика и бескрајни лет звука

Бранкушијево наслеђе доказало је да уметност никада није завршена, нити затворена у одређени кавез материјала. Она је етер који се претаче из камена у бронзу, а из бронзе у музичке ноте. Кад се ове 2026. године свет буде окупио да прослави његов јубилеј, то никако није само сећање на једног вајара, него слављење саме људске потребе да се допре до суштине.

За Дејана Илијића, овај подухват је повезивање традиције и модерне, између балканског наслеђа које обојица деле и универзалног језика уметности који не познаје ни границе ни царинарнице. Те вечери у Крајови, публика ће имати прилику да затвори очи и, вођена звуцима симфонијског оркестра, коначно угледа „Птицу у ваздуху” у њеном најчистијем лету и невидљивом облику. Бранкушијев бескрајни стуб тиме добија свој музички облик, доказујући да лет који је почео у једном румунском селу пре век и по још увек траје, на висинама већим него икада.

Пише Далибор ПОПОВИЋ ПОП

ПРОЧИТАЈ ЈОШ

Ђорђе Матић: **ИЗ ОКУЧАНА У КАНОН – КОМПОЗИТОР СРБИЈЕ И СЛАВОНИЈЕ**

ОДАБЕРИ ВИШЕ

16. фебруар 2026.16. фебруар 2026. гледишта.срб

Придружите се каналима Гледишта:
• Вибер | Вотсап •

• БЕЗ РЕКЛАМА • СА САМО ТРИ ОБАВЕШТЕЊА НЕДЕЉНО •

• подржите наш рад симболичном донацијом •

гледишта.срб

Поводом два века Матице српске: Божо Ловрић – Између далматинске традиције и језика модерне

Божо Ловрић једна је од оних готово филмских фигура наше културне историје чија биографија спаја медитерански темперамент Сплита, средњоевропски дух Прага и дубоку националну и институционалну лојалност према српским културним центрима у Новом Саду и Београду. Иако данас често прекривен заборавом, Ловрић је у свом времену био незаобилазан књижевни и дипломатски мост који је јужнословенску културу представљао Европи, али и који је својим радом унутар Матице српске и водећих српских часописа јасно трасирао свој књижевни и идентитетски пут.

Сплитски почеци и потрага за лепотом

Рођен у Сплиту 24. децембра 1881. године, Божо Ловрић је припадао генерацији која је своје интелектуалне темеље градила на међи два века, у атмосфери политичког превирања и књижевне сецесије. Након завршене класичне гимназије у Сплиту 1900. године, његов пут се грана ка Бечу, Инзбруку, Грацу и Загребу, где студира право. Ипак, Ловрић није био човек параграфа, већ човек стиха и слике. Његова рана фаза стваралаштва, обележена збиркама Ирис (1902) и Хризантеме (1904), уводи га у свет модерне под јаким утицајем италијанског естетизма и Габријела Д Анунција.

Ови рани радови, препуни флоралне симболике, боја и мириса, представљају врхунац лирике сецесије на јужнословенском простору. Ловрићева поезија из овог периода је декоративна и сензуална, али истовремено наговештава ствараоца који се не плаши да истражује границе језика. Године лутања Европом у друштву књижевника Јосипа Косора (1907–1911) додатно су прошириле његове видике, чинећи га истинским космополитом који ће Далмацију увек носити као своју примарну метафору света.

Матица српска као књижевно уточиште

У знаку великог јубилеја – 200 година од оснивања Матице српске – име Боже Ловрића појављује се као светли пример интелектуалца из приморских крајева који је ову институцију сматрао својим духовним средиштем. Већ од 1908. године, Ловрић постаје сарадник Летописа Матице српске, доприносећи часопису својом прозом и књижевном критиком. Његово присуство у Летопису није било спорадично; сарадњу наставља и деценијама касније, 1930. године, када из Прага шаље текстове који повезују чешку и српску културу.

Посебно поглавље чини његова веза са Матицом српском у Дубровнику. Ова институција, основана задужбином Константина Вучковића са циљем неговања српске културе међу католицима Приморја, препознала је у Ловрићу аутентични глас који заслужује подршку. Тако је 1912. године, у престижној едицији „Мала библиотека Матице српске”, објављена његова значајна драма Дугови. Ово дело, које су касније српски издавачи штампали као фототипско реиздање, поставило је Ловрића у сам центар тадашњег српског књижевног канона, заједно са Ивом Војновићем и Ивом Ћипиком.

Српски књижевни гласник и београдска елита

Паралелно са Матицом, Ловрић гради репутацију у Београду као један од најредовнијих сарадника Српског књижевног гласника. Његов рад у овом листу обухвата импресиван временски распон: од предратних година (1905–1914), преко првих година заједничке државе (1921, 1924, 1926), па све до самог предвечерја Другог светског рата (1936–1939).

У „Гласнику”, под окриљем Богдана Поповића и Јована Скерлића, Ловрић није био само писац белетристике, већ и оштар критичар и културни посредник. Његови есеји о музици, позоришту и ликовним уметностима, објављивани и у часописима Мисао и Живот и рад, директно су обликовали укус тадашње београдске публике. Посебно је занимљиво његово писање о Бетовену и музичкој теорији, којим се издигао изнад аматерског писања о уметности, тежећи ка стручности и модерности.

Сусрети са великанима: Буковац, Коњовић и Мештровић

Ловрићева биографија је нераскидиво испреплетена са судбинама највећих уметника епохе. Као младић у Сплиту, био је део боемског круга који су чинили сликар Емануел Видовић и вајар Иван Мештровић. Из тог периода сачувана је антологијска фотографија из 1904. године, својеврсни „драмолет”, на којој елегантни Ловрић „моделира” портрет Анте Катунарића док му Мештровић и Видовић позирају.

Његова улога у животу Влаха Буковца била је још директнија. Управо је Божо Ловрић био уредник првог издања Буковчеве аутобиографије Мој живот у Загребу 1918. године. Ова сарадња је, међутим, изазвала велику полемику. Књижевник Марко Цар је 1924. године, приређујући Буковчев рукопис за издање Српске књижевне задруге на ћирилици, оштро критиковао Ловрића, тврдећи да је свој редакторски посао схватио „сувише слободно” и да је Буковац једва препознао своје дело у Ловрићевој верзији.

Посебну емотивну и уметничку вредност има његово пријатељство са Миланом Коњовићем, учвршћено у Прагу. Коњовић, Буковчев ђак на Академији, урадио је сценографију за Ловрићеву драму Улица (чеш. Улице) у Швандловом позоришту почетком двадесетих година. Као трајни споменик овог пријатељства, у Галерији „Милан Коњовић” у Сомбору чува се Ловрићев портрет из уметникове чувене „Плаве фазе” (1929–1933), у којој боја постаје битан елемент експресионистичког израза.

Прашка лука и европска мисија

Одлазак у Праг 1911. године (или према неким изворима 1913) био је прекретница која ће Ловрића учинити културним амбасадором првог реда. Радећи у Министарству спољних послова Чехословачке (1919–1939), он уређује билтен Центропресс на језику који се тада често идентификовао као српско-хрватски или српски, преносећи најважније вести из Отаџбине у срце Европе.

У Прагу Ловрић постаје централна фигура за све наше интелектуалце, али и гради везе са светским именима попут Стефана Цвајга и руског симболисте Константина Баљмонта. Баљмонт је на Ловрићев подстицај преводио српске народне песме и циклус о Краљевићу Марку, док је за Ловрићеву драму Син (чеш. Сyн) написао надахнут предговор под насловом „Планински извор”, који је доцније објављен у београдском часопису Живот и рад.

Од сецесијског сна до експресионистичког крика

Књижевно стваралаштво Боже Ловрића прошло је кроз драматичне преображаје. Збирка Свето прољеће (1915) означила је његов дефинитивни раскид са строгим облицима сонета и прелазак на слободан стих, најављујући продор натурализма и раног експресионизма. Његови каснији романи, попут Мора (1926) и Неодољиве младости (1929), фрагментарне су и лирске повести прожете дубоком меланхолијом и аутобиографским сећањима на Далмацију.

Роман Море је посебно занимљив јер приморски пејзаж користи као оквир за сукоб исконских сила, где природа директно учествује у људским драмама, а море и месечина постају „венчани кумови” јунака. Ловрићева проза је субјективна и пребогата уметничким изразом, што је често доводило до неразумевања код критичара који су тежили ка традиционалнијим формама.

Култура Срба у Хрватској: Далматински Срби

Србин из Далмације: Идентитет изнад граница

Питање националне припадности Боже Ловрића је комплексно и не може да се сведе на једноставну одредницу коју му данас даје хрватска енциклопедистика. Ловрић је потекао из средине у којој је покрет Срба-католика био изузетно снажан међу интелектуалном елитом Сплита и Дубровника. Његово деловање унутар српских институција, вишедеценијско писање за београдске часописе и сарадња са Матицом српском јасно указују на то да је он српску културу осећао као своју матичну луку.

Оптужбе о „својатању” које се понекад могу чути, у случају Боже Ловрића губе смисао пред чињеницом да је његово место у српској књижевности резултат његовог слободног избора и дуготрајног, преданог рада. Он је био писац граница и мостова, који је веровао у ширу културну заједницу која превазилази конфесионалне поделе.

Божо Ловрић је преминуо у Прагу 28. априла 1953. године, остављајући иза себе богату заоставштину која је данас подељена између Прага и Загреба. Данас, кад се подсећамо на великане који су градили Матицу српску, Божо Ловрић заслужује да буде враћен у наш заједнички културни простор. Не само као сплитски књижевник или прашки дипломата, већ као аутентични српски глас са Јадрана који је читав свој век посветио истини, лепоти и словенском братству.

ПРОЧИТАЈ ЈОШ

ОДАБЕРИ ВИШЕ

11. фебруар 2026.15. фебруар 2026. гледишта.срб

Придружите се каналима Гледишта:
• Вибер | Вотсап •

• БЕЗ РЕКЛАМА • СА САМО ТРИ ОБАВЕШТЕЊА НЕДЕЉНО •

• подржите наш рад симболичном донацијом •

гледишта.срб

Међународни дан жена и девојака у науци: СРПКИЊЕ У ЛИНГВИСТИЦИ И КЊИЖЕВНОСТИ

Међународни дан жена и девојака у науци, који се обележава данас, 11. фебруара, представља глобални подсетник на кључну улогу жена у напретку науке и иновација. Установљен од стране Генералне скупштине Уједињених нација 2015. године, овај дан истиче потребу за родном равноправношћу у научним областима где су жене често недовољно заступљене. У Србији се овај датум обележава разним догађајима, укључујући дебате и радионице на универзитетима, где се промовише учешће девојака у науци.

Иако се фокус често ставља на СТЕМ дисциплине (наука, технологија, инжењерство и математика), хуманистичке науке попут лингвистике и књижевности подједнако су важне. Оне нуде увид у језик, културу и идентитет, а Српкиње су у овим областима оставиле неизбрисив траг. Ставићемо фокус на њихов допринос, од историјских до савремених, са циљем да осветлимо њихову улогу у обликовању српске науке и културе.

ИСТОРИЈСКИ КОНТЕКСТ: ОД СРЕДЊЕГ ВЕКА ДО МОДЕРНОГ ДОБА

Српска историја богата је примерима жена које су се бавиле науком и културом упркос увреженом мишљењу о патријархалним ограничењима. У средњем веку, Јелена Анжујска, супруга краља Уроша И, оснива прву женску школу у Србији, што је био темељни корак у образовању жена.

Она је такође била прва српска краљица која је постала светитељка, а њено стваралаштво је поставило темеље за свеобухватније учешће жена у грађењу културе. Још једна кључна фигура је монахиња Јефимија – Јелена Мрњавчевић, прва српска књижевница којој је упамћено име. Њена дела попут „Туге за младенцем Угљешом” и „Похвале кнезу Лазару” представљају врхунац средњовековне српске и европске књижевности, комбинујући духовност и поезију. Јефимија није само писала, она је остварила и огроман утицај на политику и образовање, помажући кнегињи Милици након битке на Косову пољу.

У 19. веку, жене у Србији почињу да се истичу у књижевности као нови симбол еманципације. Вилхелмина Мина Караџић (1828–1894), ћерка Вука Стефановића Караџића, била је сликарка и књижевница која је значајно допринела очувању српског фолклора. Као предводница међу српским песникињама и једна од првих ратних извештача, Милица Стојадиновић Српкиња (1828–1878) оставила је дубок траг у епохи романтизма својом надахнутом поезијом.

Драгиња Драга Гавриловић (1853–1917) прва је запамћена жена романописац у српској књижевности. Њено стваралаштво означило је почетак борбе за права жена, а поред литературе, залагала се за женско образовање. Јелена Димитријевић (1862–1945) била је путописац и песникиња чија дела истражују женску перспективу у различитим културама. Њено најпознатије дело за Нишлије свакако јесте Писма из Ниша о харемима.

ЛИНГВИСТИКА И САВРЕМЕНЕ ФИГУРЕ

У лингвистици су се жене укључиле нешто касније, али са епохалним доприносима. У 20. веку, Милка Ивић (1923–2011) била је истакнута српска лингвисткиња, професорка на универзитету и академик. Рођена у Београду, студирала је филологију, а њен научни рад имао је фокус на синтакси и општој лингвистици. Њена књига „Правци у лингвистици” постала је незаобилазан уџбеник широм света. Милка је била супруга познатог српског лингвисте Павла Ивића, а својом научном бриљантношћу постала је узор за генерације жена у науци.

Данас је српска лингвистика обогаћена стваралаштвом жена које комбинују традицију са модерним приступима. Рајна Драгићевић, професорка на Филолошком факултету у Београду, специјализована је за лексикологију и лексикографију. Њена књига „Огледи из српске дериватологије” истражује творбену семантику, доприносећи разумевању српског језика у савременом контексту. Свој рад је посветила професорки Даринки Гортан Премк, још једној зачетници у српској лексикографији.

Посебно место у савременој српској науци о језику и књижевности заузимају и сараднице нашег часописа са Филозофског факултета у Нишу попут Данијеле Костадиновић, Снежане Божић и Јелене С. Младеновић. Којима посвећујемо овај чланак и које су право надахнуће за све ове редове.

Истраживања показују да су жене у српској штампи мање заступљене од мушкараца, али да њихов допринос у науци расте. На Филолошком факултету у Београду жене чине већину студената, а иницијативе попут „Жене у науци” додатно подстичу њихово учешће у истраживањима.

ЖЕНЕ КОЈЕ СУ ОБЛИКОВАЛЕ СРПСКУ КЊИЖЕВНОСТ

У књижевности жене доминирају модерном српском сценом. Исидора Секулић (1877–1958) била је прва жена академик у Србији. Њена дела попут „Сапутника” и „Писама из Норвешке” комбинују есејистику и прозу, истражујући идентитет и културу. Десанка Максимовић (1898–1993) легендарна је песникиња чија поезија, попут збирке „Тражим помиловање”, одражава дубоки хуманизам.

У другој половини 20. века и почетком 21. века женски ауторски глас постаје један од носећих у српској прози. Савремене књижевнице попут Светлане Велмар-Јанковић (1933–2014) пишу о историји и идентитету, док ауторке попут Милене Марковић истражују широку лепезу тема кроз савремени израз.

Питање које се често поставља јесте да ли су у обавезној лектири жене довољно заступљене. Иако су Јефимија, Исидора и Десанка присутне, ова слика се полако мења кроз нове антологије и школске програме.

На данашњи Међународни дан жена и девојака у науци, осврћемо се и на наслеђе британске научнице Џејн Гудол!

ИЗАЗОВИ И БУДУЋНОСТ

Упркос напретку, жене у Србији се и даље суочавају са изазовима као што су стереотипи и изазови усклађивања каријере и породичног живота. Истраживања показују да су жене понекад мање цитиране у науци, иако у хуманистици чине већину истраживача. Министарство науке, технолошког развоја и иновација Србије подржава иницијативе за родну равноправност, а овај Међународни дан подсећа на потребу за континуираном подршком девојкама.

Иако су многе препреке и даље присутне, све већи број жена које предводе истраживачке тимове и катедре показује да је промена трајна и дубока.

Будућност је обећавајућа са све више жена на водећим позицијама у институтима и на факултетима, Српкиње ће наставити да обликују науку. Оне нису само учеснице, него и лидерке које инспиришу нове генерације. На концу, Српкиње у лингвистици и књижевности су стуб српске културе. Овај дан је прилика да их славимо и подржимо будуће научнице.

ПРОЧИТАЈ ЈОШ

МИЛЕВА МАРИЋ АЈНШТАЈН – **БРИЉАНТНА СРПКИЊА У СЕНЦИ ЗАТУЦАНЕ ЕВРОПЕ**

ОДАБЕРИ ВИШЕ

9. фебруар 2026.15. фебруар 2026. гледишта.срб

Придружите се каналима Гледишта:
• Вибер | Вотсап •

• БЕЗ РЕКЛАМА • СА САМО ТРИ ОБАВЕШТЕЊА НЕДЕЉНО •

• подржите наш рад симболичном донацијом •

гледишта.срб

Борис Миљковић – МЕРА ТЕЛЕВИЗИЈЕ

Мало је стваралаца који су успели да телевизију, као медиј често осуђен на пролазност, претворе у простор трајне културне вредности. Борис Миљковић није само испуњавао програмске шеме; он је градио нову архитектуру визуелног мишљења.

Његов значај се зато не доказује пуким набрајањем награда или звања. У контексту српске телевизије, он је тачка прелома – аутор који је овај медиј из области заната превео у област чисте уметности. Он није само један од највећих, већ еталон. Мера.

Убеђен сам да та мера није настала из његове жеље за доминацијом, већ из дубоке самоспознаје. Из уверења да телевизија није пуки пренос очима видљиве стварности, него њено тумачење; да слика није декор, него мисао; и да јавни сервис има смисла само ако има културну кичму.

ТЕЛЕВИЗИЈА КАО ПРОСТОР СЛОБОДЕ И СТАВА

Миљковићево образовање на Факултету драмских уметности у Београду није га одвело у ауторску самодовољност, већ у одговорност. Мој лични утисак јесте да његово стваралаштво, било као редитеља, аутора, креативног директора или есејисте телевизије, увек полази од истог питања: шта овај медиј дугује заједници у којој постоји?

Важно је, међутим, подсетити да Борис Миљковић није стваралац који се појавио накнадно или ниоткуда, у зрелим годинама, већ један од оних који су још осамдесетих година учествовали у обликовању новог и музичког и таласа југословенске телевизије.

Још кроз ауторске и коауторске емисије попут Рокенролера и Нико као ја, он је показао да телевизију разуме као простор слободе и става, а не као пуки програмски сервис. Та, назовимо их, рана искуства нису била епизода, него драгоцена, чврста грађа којом ће касније бити поплочан „Пут у будућност”, и све оно по чему га данас препознајем као меру.

ТЕЛЕВИЗИЈА КАО ЈЕЗИК, НЕ КАО ФОРМАТ

Кад се говори о његовом опусу, лично издвајам серијал „Пут у будућност”. С разлогом. Тај серијал није само историја ликовне уметности на југословенском културном простору, него је изузетна показна вежба тога шта документарна телевизија може да буде кад јој се приступи као језику, а не као формату.

Миљковић не препричава епохе. Он их гради. Архив, глас, музика, тишина – све је у функцији приче која не подилази ни не искључује. Гледалац није ученик пред катедром, он је сапутник. Управо у томе лежи разлика између информативног програма и културне телевизије.

„Пут у будућност” показује да је уметност после Другог светског рата била више од стила и естетике – била је простор слободе, сукоба и ризика. Миљковић не митологизује. Он разуме и тим разумевањем отвара простор да и нове генерације данас промишљају сопствено време.

„Пут у будућност” је показао шта телевизија може да буде када мисли, а не само да информише.

ТЕЛЕВИЗИЈА КАО ЧУВАР ПАМЋЕЊА

Друго велико дело његовог стваралаштва, опет за мене лично, представљају две емисије посвећене Србима из Срема, данашње Хрватске и шире. Вероватно и најосетљивији део његовог опуса, јер ту нема заштитне дистанце историје уметности. Ту је све сасвим лично.

Ипак, управо ту Миљковић показује највећу ауторску зрелост. Нема вишка емоције, нема политичке реторике, нема призивања кривице. Постоји само упорно, достојанствено бележење трајања: језика, обичаја, памћења. Телевизија као место сабирања, а не раздвајања.

Ове емисије не лече историју, али негују памћење. И то је мени више него довољно да на тренутке доживим тај простор као свој, да се поистоветим са сремском равницом.

Тихо и достојанствено сведочанство о трајању идентитета без политичке реторике и без патетике. Телевизија као простор памћења, а не подела.

КРЕАТИВНИ ДИРЕКТОР КОЈИ ЈЕ РАЗУМЕО СМИСАО ФОРМЕ

Као креативни директор РТС-а, Миљковић је урадио нешто што се ретко признаје као ауторски чин: обликовао је визуелни идентитет јавног сервиса као културни став. Редизајн није био козметика, био је порука да јавна телевизија мора да изгледа достојно времена у ком живи.

У томе се види континуитет: исти онај аутор који у документарцу брине о ритму, тону и значењу, брине и о графици, најави, шпици. За Миљковића не постоје „споредни” елементи. Све је текст и све је важно.

Визуелни идентитет јавног сервиса показује да форма није украс, већ јасна порука о одговорности медија према времену у ком постоји.

ЗАШТО ЈЕСТЕ НАЈВЕЋИ

У закључку, ако назовем Бориса Миљковића највећим телевизијским ствараоцем не удељујем комплимент. Наводим чињеницу. Он је аутор који је телевизију схватио озбиљно у култури која често не схвата ни себе. Аутор који није бежао од институције, али је у њој успео да остане слободан. Стваралац који зна да је тишина важнија од говора, а одговорност преча од утицаја.

Зато, моја прича није хвалоспев, већ лични запис захвалности. За телевизију која је могла да буде више и понекад, понајвише захваљујући њему, то и јесте – Нит која нас повезује.

Пише Далибор ПОПОВИЋ ПОП

ПРОЧИТАЈ ЈОШ

Станислав Винавер: **АКО СЕ РЕЧЕНИЦЕ НЕ ИЗГОВОРЕ КАКО ТРЕБА, ОНЕ ГУБЕ ОД СВОЈЕ УБЕДЉИВОСТИ, ЗНАЧАЈА, ВАЖНОСТИ!**

ОДАБЕРИ ВИШЕ

30. јануар 2026.30. јануар 2026. гледишта.срб

Придружите се каналима Гледишта:
• Вибер | Вотсап •

• БЕЗ РЕКЛАМА • СА САМО ТРИ ОБАВЕШТЕЊА НЕДЕЉНО •

• подржите наш рад симболичном донацијом •

гледишта.срб

Ђорђе Матић: ИЗ ОКУЧАНА У КАНОН – КОМПОЗИТОР СРБИЈЕ И СЛАВОНИЈЕ

Од свих заборављени Окучани родно су мјесто једне од најзанимљивијих појава наше сувремене озбиљне музике. Ту је септембра 1900. рођен Михаило Вукдраговић, композитор, диригент и касније незаобилазно важан музички уредник Радио Београда.

ЗАБОРАВЉЕНО МЈЕСТО ПОРЕД АУТОПУТА

Кад се спомену Окучани, већина наравно помисли на аутопут према истоку. Неки и на некадашњи аутопут „Братства и јединства”, чија је хисторија данас покривена типично европски бирократски нормираном, безименом, ништа не говорећом скраћеницом – Е70.

Као да је какав сатиричар са саркастичним смислом за хумор смислио. Ту, на отприлике сто и тридесет километара кад се крене из Загреба и мало изнад главне прометнице су Окучани. Мјесто поред кога се пролази, али се у њ никада не иде. А што би се и ишло, кад тамо ионако ничега нема, нит се (више) ишта догађа.

Неки ће се додуше сјетити и рата, кад је овдје почињала „тампон зона” и тадашња САО Западна Славонија. Прије рата у Окучанима су Срби били апсолутна већина. Након рата више није тако. Иако је и ту било ужаса, наравно (шифра: „Бљесак”), могло је бити и горе, и с народом и преосталим „постотком” послије 1995. Али то је друга тема. Једино, кад смо већ код малоприје споменутог замишљеног сатиричара, ту као да су фераловци измислили и начелника опћине – „Аца Видаковић (ХЏ)”.

Окучани као и сва мјеста некадашње Војне крајине имају дугу и мучну хисторију, од Сеобе под патријархом Чарнојевићем, кад ту долазе Срби („Власи и православци”, како се типично огавном формулацијом наводи на службеним страницама Опћине).

У тој дугој повијести српског народа овдје, бар по опћим информацијама и изворима обје стране, као да није остало ниједно важније име, никакав значајнији појединац, нетко тко се остварио по било каквом досегу и посебности.

РОЂЕЊЕ ЈЕДНОГ КОМПОЗИТОРА, ПРАГ И ОТПОР АВАНГАРДИ

Међутим није тако. Ти исти, од свих заборављени Окучани, цестовна ознака без даљњег садржаја, родно су мјесто једне од најзанимљивијих појава наше сувремене озбиљне музике. Ту је септембра 1900. рођен Михаило Вукдраговић, композитор, диригент и касније незаобилазно важан музички уредник Радио Београда.

Занимљив је његов развој. Поготово ако почнемо од најважније, професионалне формације, умјесто основних биографских црта. Иако генерацијски и академски образован у прашким модернистичким, тада увелико шенберговски и додекафонијом обиљеженим круговима, овај наш човјек ишао је, тако типично, својим путем, тврдоглаво, остајући уздржан спрам ере и тенденција растакања хармонијског система, окренут своме лирском, импресионистичком или неоромантичарском, понешто меланколичном осјећају музике.

И, из тога дакако, вјеран својем темељу: музичком наслијеђу тла с којега је потекао. Јер, модеран или не, онај тко је носио осјећај непрестаног рушења и поновног грађења у костима и сржи, не може преносити ни принцип умјетничког симболичког „рушења” у властити израз.

КРАЈИШКИ ЖИГ У ПРЕЧАНСКОМ ПОДНЕБЉУ

За разлику од многих пречанских Срба који су одабрали живот у Матици, Вукдраговић није се „само” родио овдје. Његова рана младост и школовање – све до одласка у тек створену Чехословачку и Праг на конзерваториј, тад већ као грађанин Краљевине СХС – дубоко су обиљежени хрватским простором и културом.

Од истока па до запада – Вукдраговић је класичну гимназију похађао у Винковцима, Осијеку и Вараждину. Из потоњег остао је један готово литерарни призор: у старом барокном граду, центру Хрватског загорја, усред Великог рата и убилачког похода К унд К Монархије на Србију, гимназијалац Вукдраговић увјежбава мали неформални збор својих колега – да изведу једну од Мокрањчевих Руковети.

Послије креће опет на исток нашег дијела Царевине, у Сремске Карловце, гдје ће и завршити гимназију. Након студија и усавршавања у Прагу, долази у Београд гдје ће остати до краја живота. Интересантно: и много деценија касније, већ у старости и након толико времена у Београду, у говору му је и даље остао чујан траг карактеристичног западног крајишког акцента.

БЕОГРАД: УСПОН ЈЕДНЕ МУЗИЧКЕ БИОГРАФИЈЕ

У главном граду нове краљевине, од повратка из Прага 1927., Вукдраговић ниже успјех за успјехом. Предаје у музичкој школи „Станковић”, пише занимљиве зборске комаде на балканске мотиве, највише по македонским народним напјевима.

Равна првом београдском изведбом монументалне Бетовенове „Мисе солемнис”. Један је од оснивача Симфонијског оркестра Радио Београда. Из школе прелази на Музичку академију гдје је ванредни професор. Тако дочекује и 1941. годину.

За вријеме окупације није радио јавно, што је, уз пријатељство с Вељком Петровићем, можда допринијело и да непосредно након рата настави успоне у раду и у каријери, а и по друштвеној љествици. Изгледа да је, по неким свједочењима, и прије рата имао одређене симпатије за комунисте, а у Стојадиновићевом времену бранио колегу музичара, члана забрањене КПЈ, од избацивања с радија.

Као и многи Пречани, након ослобођења близак је новом уређењу, по осјећају ако већ не по политичкој ангажираности. Одмах по крају рата, 1945. одређен је за шефа музичког програма и симфонијског оркестра Радија. Редовни професор на академији постаје двије године касније, а онда и ректор. Већ 1950. примљен је у САНУ као дописни члан, па деценију касније и као редовни.

Друштвени успјех капитализира важном и моћном позицијом – именован је за генералног секретара Савеза композитора Југославије. Током дуге каријере, професионалне и друштвене, добива највећа признања социјалистичке епохе – Орден рада са црвеном заставом, Седмојулску и Награду АВНОЈ-а, чак и Вукову.

Писао је нова дјела и у високој доби, а спадао је и у малу групу складатеља који се баве и музичком критиком. Михаило Вукдраговић живио је дуг и испуњен живот. Умро је у марту 1986., прије равно четрдесет година. По њему данас носи име музичка школа у Шапцу.

Сведочанство о времену, стварању и музици која је обележила један културни простор.

СРБИЈА И СЛАВОНИЈА КАО МУЗИЧКА СУДБИНА

Вукдраговић је био конзервативац у музичком смислу, анти-авангардист. Али музику коју је стварно волио, онај дио канона који му је био близак, волио је без остатка. Нашем народном насљеђу био је и као класичар безувјетно одан. У том смислу, а шире и у погледу припадности, могуће је да најбољу метафору овог квалитетног композитора и музичара чине наслови два његова дјела: кантата „Србија” и кантата „Славонија”.

Прошао сам недавно кроз Окучане. Кроз мјесто и околна села возио ме тамошњи свештеник, симпатичан народски човјек. Објашњава ми прилике, прича о том крају и прошлости Окучана. Питам га зна ли за Вукдраговића. „Како? Вук..?” Вукдраговић, Михаило, кажем. Композитор, диригент. Одавде је.

„Никад чуо”, врти главом.

Пише Ђорђе МАТИЋ

Преносимо П-портал

ПРОЧИТАЈ ЈОШ

Дејан Илијић – **ДYАД ИВ: МУЗИКА СПОРОГ КРЕТАЊА КРОЗ ПРОСТОР**

ОДАБЕРИ ВИШЕ

21. јануар 2026.21. јануар 2026. гледишта.срб

Придружите се каналима Гледишта:
• Вибер | Вотсап •

• БЕЗ РЕКЛАМА • СА САМО ТРИ ОБАВЕШТЕЊА НЕДЕЉНО •

• подржите наш рад симболичном донацијом •

гледишта.срб

Дејан Илијић – ДYАД ИВ: МУЗИКА СПОРОГ КРЕТАЊА КРОЗ ПРОСТОР

Четврти албум Дејана Илијића из серијала ДYАД не наставља само започето, већ прави јасан отклон. ДYАД ИВ се одмиче и од до сада познатог Илијићевог стваралаштва у оквиру састава ЕYОТ и од његових ранијих соло издања, улазећи одлучно у простор амбијенталне електронике која не тражи пажњу, већ време.

Овај албум није уобичајен скуп нумера, већ конструисани амбијент. Аналогни синтисајзери и њихови дигитални савременици не користе се ради ефекта, већ ради стварања звучног пејзажа у којем доминирају расположење, простор и осећај спорог, готово филмског приповедања. ДYАД ИВ делује као звучна архитектура – не намеће ритам, већ га постепено открива.

Референце на које се ово дело позива су јасне, али не и оптерећујуће: кинематографска ширина Вангелиса, научнофантастични универзум Масс Еффецт-а, као и пригушена, унутрашња напетост серије Андор. Ипак, оне овде не функционишу као цитати, већ као језик. Илијић користи тај језик да би испричао причу без речи, причу у којој је тишина подједнако важна као и звук.

Дакле, ДYАД ИВ је албум који се не слуша „успут”. Он тражи повлачење, издвајање, одлуку да се буде унутар музике. Управо у томе лежи његова снага: у одбијању да буде потрошна музичка информација и у инсистирању на доживљају. У времену глобалног убрзања, ДYАД ИВ делује као свесни чин успоравања – и као такав, као један од оних албума који се не троше, већ којима се враћа. Редакцијски фаворити су траке број три и пет.

ЗА ПРЕСЛУШАВАЊЕ АЛБУМА НА БЕНД КАМПУ

Клик овде

Први сингл албума ДYАД ИВ

Илијићево досадашње стваралаштво, посебно рад у оквиру састава ЕYОТ, било је обележено снажним дијалогом са класичном музиком, џезом и пост-роком, формом и израженом извођачком енергијом. И његова ранија соло издања кретала су се унутар јасније дефинисаних оквира композиција.

Албум ДYАД ИВ сво то стечено искуство не поништава, али га своди на унутрашњи импулс, преламајући га у музику која више не гради форму, већ раскошан простор. Управо из таквог угла Илијићево ново музичко остварење и треба слушати. Препорука: 9,87/10

ПРОЧИТАЈ ЈОШ

**Љубави кишних сени Саше Буђевца** – Књижевна мистификација и трагање за славом

ОДАБЕРИ ВИШЕ

12. јануар 2026.12. јануар 2026. гледишта.срб

Придружите се каналима Гледишта:
• Вибер | Вотсап •

• БЕЗ РЕКЛАМА • СА САМО ТРИ ОБАВЕШТЕЊА НЕДЕЉНО •

• подржите наш рад симболичном донацијом •

гледишта.срб

Установљена награда „Душан Митић Цар” – Признање за професионалне фоторепортере у част великог хроничара Ниша

Душан Митић Цар припада уском кругу уметника чије је стваралаштво трајно обликовало визуелну културу Ниша. Његове фотографије нису пратећи материјал једног времена, оне су његов документ. Надимак „Цар” није био пука досетка нити кафанска легенда, већ име које је означавало ауторитет, поузданост и препознатљив поглед на свет.

Деценијама је бележио живот града – људе, догађаје, улице, сцене свакодневице и изузетних тренутака – стварајући колекцију црно-белих фотографија које су постале део колективног памћења. Рођен и преминуо у Нишу, Цар је остао веран свом граду, као простору који га је обликовао.

Његово стваралаштво обухвата све од културних манифестација и фестивала до друштвених маргина, од интимних портрета до јавних збивања. Тај опус је истовремено документарни и уметнички, емотиван и уздржан, увек усмерен ка човеку. Сагледавајући његов живот, каријеру и наслеђе, постаје јасно како је један фотограф постао незаменљив хроничар града на Нишави.

Фотографија као позив

Душан Митић Цар рођен је 9. марта 1953. године у Нишу, у времену интензивних друштвених и урбаних промена након Другог светског рата. Одрастао је у социјалистичкој Југославији, у граду који је истовремено био индустријски центар и културно чвориште овог дела тадашње државе. Управо тај амбијент, испуњен контрастима, постао је трајни оквир његовог фотографског интересовања.

Фотографијом је почео да се бави седамдесетих година прошлог века, у време кад фоторепортажа у Србији добија на значају. Његови први кораци били су аматерски, али брзо је изградио сигуран и препознатљив рукопис. До 1983. године, кад постаје стални фоторепортер, већ је формирао стил заснован на црно-белој фотографији, јасном контрасту и осетљивости за људску душу.

Сарађивао је са „Графитом”, „Народним новинама”, „Вечерњим новостима” и другим медијима, бележећи све – од уличних сцена до значајних јавних догађаја. У том периоду се профилисао као фотограф који не бележи само чињенице, него исписује визуелне приче. У великој мери самоук, ослањао се на своју интуицију, стрпљење и дубоку везаност за град у којем је живео.

Стваралаштво у граду и са градом

Осамдесете и деведесете године обележиле су пуни замах Царове каријере. Постао је један од препознатљивих ликова нишке урбане сцене, нарочито сарадњом са нишким институцијама културе кроз извештавање са бројних манифестација. Као званични фотограф џез фестивала Нишвил, али и деценијама пре тога бележио је концертну атмосферу и лица музике, стварајући архиву, данас од изузетног значаја.

Његове фотографије са Нишвила не приказују само наступе, него су подједнако ухватиле и дух фестивала: концентрацију музичара, реакције публике, интиму тренутка, као и градњу и настанак фестивалског простора. Поред тога, Цар је сарађивао и са Народним позориштем у Нишу, пратећи представе и глумце, из чега су се изродиле многобројне изложбе. Плодна је и његова сарадња са више врсних новинара у стварању репортажа о друштвеним темама.

Посебно место у његовом опусу заузимају серијали посвећени сиромаштву и маргинализованим заједницама, касније обједињени под називом „Књига беде”. Те фотографије су лишене сензационализма. Оне су сведене, саосећајне и достојанствене. Током деведесетих година, у условима грађанског рата и међународних санкција, Цар је остао у Нишу, бележећи друштвене протесте, економску кризу и промене у свакодневном животу града.

Књиге и фотографије

Царов опус броји више хиљада фотографија, али неколико целина издваја се као баштина његовог рада. Монографије „Књига ритма”, као и „Царски рез” посвећена Нишвилу представљају визуелну историју музичког живота Ниша, док „Књига беде” остаје једно од најпотреснијих сведочанстава о социјалним неједнакостима у граду.

Излагао је у бројним галеријама, самостално и колективно, а његове фотографије објављиване су у многобројним часописима. Остао је дуго веран аналогној фотографији, филму и процесу који захтева стрпљење и промишљање. Међутим, у дигиталној ери његови портрети – хроничара Ниша, уметника и обичних људи – сведоче о Царовој способности да у једном кадру може да сажме читаву причу.

Душан Митић Цар - Нишвил — **Нишвил** © Цар

Душан Митић Цар - Аутопортрет — **Нишвил** © Цар

Надимак „Цар” и културни утицај

Надимак „Цар” одражавао је његов положај у уметничкој фотографији. Био је ауторитет без наметања, ментор без патетике и хроничар без дистанце. Сарађивао је са бројним колегама и оставио снажан утицај на млађе генерације фотографа.

Царево стваралаштво је истовремено критика и сведочење, документ и емоција. У доба дигиталне хиперпродукције слика, његов опус подсећа на вредност пажљивог гледања и одговорности према снимљеном тренутку. Захваљујући њему, Ниш је постао видљив као простор живе културе и сложене друштвене стварности. Као дубоко залеђе Медитерана.

Цар је био познат по томе што није долазио на отварања својих изложби и што је избегавао интервјуе. Нажалост, тако није успео ни да види овај јединствени видео запис Вање Кесера.

Наслеђе и Награда

Душан Митић Цар преминуо је изненада 23. октобра 2021. године у Нишу, у 68. години живота. Његова смрт одјекнула је у културној јавности, а бројни медији и колеге подсетили су на обим и значај његовог стваралаштва. Иза себе је оставио архиву која ће тек да живи кроз изложбе, публикације и сећања оних који су са њим сарађивали.

На петогодишњицу од његовог упокојења, часопис Гледишта, са подршком чланова породице и групом пријатеља, оснива награду која ће носити његово име. Награда „Душан Митић Цар” намењена је професионалним фоторепортерима и осмишљена је као трајно признање документарној и уметничкој фотографији.

Иако структурисана у три категорије: црно-бела фотографија, документарна фотографија и награда за животно дело, додељиваће се само једна награда годишње, чиме се наглашава њена ексклузивност и тежина. Конкурс ће бити расписиван 9. марта, на дан Царовог рођења, затваран 1. октобра, на Дан Гледишта, а име лауреата ће бити објављивано 23. октобра. На дан кад је Цар отпутовао у вечност.

Овом наградом Гледишта чувају успомену на најзначајнијег нишког фотографа, подстичу вредности које је он оличавао: стрпљење, одговорност, саосећајност и веру у фотографију као облик памћења. На тај начин, Душан Митић Цар наставља да траје – као име и дело, и као надахнуће.

Први конкурс биће расписан 9. марта 2026. године. Приказано је једно од могућих идејних решења плакете Награде „Душан Митић Цар”, инспирисано фотографијом Вање Кесера.

ОДАБЕРИ ВИШЕ

24. децембар 2025.24. децембар 2025. гледишта.срб

Придружите се каналима Гледишта:
• Вибер | Вотсап •

• БЕЗ РЕКЛАМА • СА САМО ТРИ ОБАВЕШТЕЊА НЕДЕЉНО •

• подржите наш рад симболичном донацијом •

гледишта.срб

ЛЕМИ КИЛМИСТЕР – ИКОНА РОКЕНРОЛА КОЈА ЈЕ ЖИВЕЛА ДА ПОБЕДИ

Данас се навршава осамдесет година од рођења Ијана Фрејзера Килмистера, човека кога је свет упознао под једноставним именом Леми. За историју рокенрола он је икона, за музику мера непомирљивости, а за велики део српске публике доказ да нисмо били ни културна провинција нити публика другог реда, већ савременици истог оног звука који је одзвањао клубовима Лондона, Детроита и Лос Анђелеса.

Леми није био музичар који тражи разумевање. Није га ни добијао. Али био је обасипан оним што му је било важније: поштовање нас који смо у његовој музици препознавали истину без улепшавања.

Моје сведочанство није биографски преглед, више је покушај да осветлим зашто је Леми, пре него многи други, остао жив у памћењу и зашто је његова веза са публиком у Србији била дубља него што се на први поглед чини.

ОД ПОСЛЕРАТНЕ ЕНГЛЕСКЕ ДО РОКЕНРОЛА

Леми је рођен 1945. године у Бурслему, индустријском делу Стоук-он-Трента, у Енглеској која је из рата изашла као победник, али прецизности ради, као исцрпљени победник. Отац га је напустио док је још био беба, бежећи од одговорности старања о детету у таквим тешким оклоностима. Леми детињство проводи у радничкој средини, без романтике и без илузија.

Тај социјални код који је сурово учитан у његове гене учинио је да буде директан, груб, без сентименталности и остане са свим тим до краја. Преломни тренутак у Лемијевом животу био је његов сусрет са Битлсима у ливерпулском Каверн клубу.

Леми је касније говорио да му тај концерт није само отворио врата музике, него да му је показао како је ипак могуће да се побегне од предодређености и предвидљивости. Научио је да свира гитару слушајући њихове плоче, радио је физичке послове и свирао у локалним бендовима, али без велике стратегије и без другог плана осим да ради то што зна.

ПРЕ МОТОРХЕДА: ПУТ БЕЗ КОМПРОМИСА

Током шездесетих за Лемија су то биле године током којих је изучавао школу преживљавања. Свирао је у више бендова, мењао улоге, имена и градове, све док није завршио у свемирском рок саставу Хоквинд.

Иако није био класичан басиста, његов гласан стил, агресиван и вођен ритмом променио је звук бенда. Песма „Силвер машин” постала је хит, али Леми није био човек за компромисе и млаке сараднике. Отпуштен је из бенда 1975. године и тај тренутак, који би за многе значио крај, за њега је био стварни почетак.

Звук који је дефинисао историју рока: Чувена Аце оф Спадес у оригиналној постави групе Мотöрхеад из 1980. године.

МОТОРХЕД: БРЗИНА КАО СТАВ

Моторхед није настао као пројекат, заправо то је била реакција. Леми је хтео бенд који ће да свира брже, гласније и искреније од свега што је до тада постојало на сцени. Његов бас није био пратња, био је тешко наоружање. Његов глас је понајмање био леп, али је био истинит. Моторхед је стајао пред оним што су сами створили – на раскршћу рока, панка и хеви метала, а да не припадну ниједној од тих етикета.

Успех са албумом Ејс оф спејдс и живим издањем Но слип тил Хамерсмит учинио је Моторхед једним од кључних бендова британске сцене почетком осамдесетих. Али добри Леми никада није прихватио улогу звезде. Остао је на страни оних који су свирали и слушали музику без позе, без дистанце и без лажног ауторитета.

ЛЕМИ И СРБИ: ПРЕПОЗНАВАЊЕ БЕЗ ПОСРЕДНИКА

Лемијев однос са овим простором не може да се сведе на куриозитет. Његов први долазак у Југославију средином шездесетих, као члана бенда Рокин викерс, био је културни преседан. Свирали су тада и у Нишу, иако рокенрол у тадашњој држави још није био широко прихваћен, публика је већ врло добро знала шта слуша и зашто.

Каснији доласци са Моторхедом, укључујући и концерт у Београду 2002. године, показали су да је српска рок и метал публика Лемија доживљавала као свог, а то је било заиста веома важно. Није он био прихваћен као странац, ни као икона са плаката, него баш као неко ко носи исти крст – отпор према наметнутим улогама, гађење према лицемерју и гаји искрену потребу за слободом без превода.

За разлику од многих музичара са запада који су Србију посматрали као егзотику или политичку фусноту, Леми је овде препознавао људе сличне себи. Нормалне, како је умео да каже. То препознавање било је обострано и трајно. Наравно и српска ракија је говорила двадесет језика.

Рокенрол без посредника. Бина и публика на истој страни.

ЛИЧНИ ЖИВОТ И МИТ

Леми је живео живот који је лако митологизовати, а тешко разумети. Алкохол, цигарете, дрога и бескрајне турнеје били су део његове свакодневице, али никада поза. Он није продавао скандал, већ је живео без извињења, свестан да рокенрол није безбедан простор. Није случајно што је и у Београду тај судар између бине и публике понекад прелазио меру јер Леми није тражио контролисану оданост, већ суочавање.

Контроверзе које су га пратиле током каријере, укључујући и његову колекцију војних артефаката, често су погрешно тумачене. Међутим Леми није био идеолог, него је био опседнут историјом као сведочанством људске глупости која се циклично понавља.

Политички, Леми је био анархиста у најширем смислу речи – против расизма, против ауторитета, против наметнуте моралности. Религији није придавао значај, верујући да одговори, ако постоје, долазе касније. Кад се оде Богу на истину.

НАСЛЕЂЕ КОЈЕ ТРАЈЕ

Леми је преминуо пре пуне деценије, 28. децембра 2015. године, а Моторхед је престао да постоји тек онда када је он отпутовао у вечност. Његово наслеђе не мери се данас ни споменицима, астероидима или наградама, оно је опипљиво кроз утицај на генерације музичара и слушалаца који су у његовој музици пронашли потврду да није потребно бити прихваћен да би био искрен и истинит.

Његов мото: „Рођен да изгуби, живео да победи” није био слоган, то је кад боље размислим резиме једног живота – његовог. За нас, Србе, Леми остаје важан јер нас је видео онаквима какви јесмо као део истог света, истог звука и исте побуне.

Рокенрол, у свом најчистијем облику, увек је био управо то.

Мотöрхеад – Лифе’с А Битцх

Пише Далибор ПОПОВИЋ ПОП

ПРОЧИТАЈ ЈОШ

Ђорђе Матић: „**ОД СТУДЕНОГ ДО НОВЕМБРА**”

ОДАБЕРИ ВИШЕ

15. децембар 2025.15. децембар 2025. гледишта.срб

Придружите се каналима Гледишта:
• Вибер | Вотсап •

• БЕЗ РЕКЛАМА • СА САМО ТРИ ОБАВЕШТЕЊА НЕДЕЉНО •

• подржите наш рад симболичном донацијом •

гледишта.срб

АРВО ПЕРТ – НАЈВЕЋИ ЖИВИ КОМПОЗИТОР САВРЕМЕНОГ СВЕТА

Арво Перт, естонски композитор рођен 1935. године, инострани члан Српске академије наука и уметности од 5. новембра 2009. године, данас се с разлогом сматра једним од најзначајнијих живих стваралаца класичне музике. Његов опус, обележен минималистичким приступом и дубоком духовношћу, превазилази жанровске, културне и географске границе, чинећи га јединственим феноменом на глобалној музичкој сцени.

Пертову музику често описују као „свети минимализам” – она се рађа из тишине, молитве и древних традиција, док је његов препознатљиви стил, тинтинабули, постао синоним за хармонију између звука и тишине. У веку у којем је савремена музика често агресивна или искључиво концептуална, Перт нуди оазу спокоја и унутрашње сабраности, што га у очима многих чини највећим живим композитором данашњице.

У овом сведочанству, у најкраћем, а суштински најважнијем оквиру, биће представљени његов професионални и приватни живот, стваралаштво и утицај на светску музичку сцену, уз посебан осврт на његово православно крштење и духовне композиције засноване на византијском наслеђу.

РАНИ ЖИВОТ И МУЗИЧКО ФОРМИРАЊЕ

Арво Перт је рођен 11. септембра 1935. године у Паидеу, малом граду у Естонији, тада делу Совјетског Савеза. Његово детињство обележиле су ратне године и тешки послератни период. Породица се 1938. године преселила у Раквере, где је Перт одрастао уз мајку и очуха.

Интересовање за музику показао је веома рано. Почео је да учи клавир у локалној музичкој школи, а касније наставио образовање у Талину. Упркос скромним условима живота и снажној идеолошкој контроли која је пратила културну сферу у СССР-у, Перт је развио снажну везу са класичном музиком и рано почео да трага за сопственим изразом.

Формално образовање започео је 1954. године на Талинском конзерваторијуму, где је студирао композицију код угледног естонског композитора Хеина Елера, ментора читаве генерације музичара. Елер је подстакао Перта да истражује неокласичне и фолклорне елементе, али и да развија лични композиторски језик. Паралелно са студијама, Перт је од 1958. до 1967. године радио као инжењер звука на Естонском радију, што му је омогућило контакт са разноврсним музичким материјалима и експериментисање са звучним структурама.

Овај период био је пресудан за развој његовог техничког знања, али и за суочавање са цензуром совјетског режима, који је фаворизовао социјалистички реализам и подозриво гледао на авангардне уметничке форме. Перт је дипломирао 1963. године, али његов рани живот није био обележен искључиво академским напредовањем јер су га пратили лични изазови, здравствени проблеми и дубока унутрашња потрага за идентитетом у репресивном друштвеном оквиру. Ова искуства касније ће се јасно одразити у музици која истражује теме патње, тишине и искупљења.

КОМПОЗИТОРСКИ ПУТ И УМЕТНИЧКА ТРАГАЊА

Пертов професионални пут започео је током шездесетих година, кад је компоновао музику за филмове, позориште и концертне дворане. Његова рана дела, попут „Некролога” (1960) и „Перпетуум мобиле” (1963), била су експериментална и снажно ослоњена на серијализам и дванаесттонску технику Арнолда Шенберга. Иако су му донела признања унутар естонских музичких кругова, ова дела су истовремено изазвала и оштре реакције власти, јер су сматрана идеолошки неподобним и превише авангардним.

Средином шездесетих година Перт долази до уметничке и духовне прекретнице. Композиција „Кредо” (1968), која отворено укључује хришћанске мотиве, изазвала је скандал и довела до забране јавног извођења. Након тога уследио је период вишегодишње тишине (1968–1976), током којег се Перт готово у потпуности повлачи из јавног живота и посвећује проучавању средњовековне музике, грегоријанског хора и ренесансне полифоније.

Из ове фазе изашао је са потпуно новим музичким језиком – тинтинабули стилом, који је први пут јасно артикулисан у композицији „Фüр Алина” (1976). Тај тренутак означио је радикалан преокрет и почетак зрелог Пертовог стваралаштва.

Музичко дело Фüр Алина (1976), прво након дужег стваралачког затишја, означило је почетак тинтинабули стила и остало интимна музичка исповест о утехи, прочишћењу и новом почетку.

ЕМГИРАЦИЈА И МЕЂУНАРОДНО ПРИЗНАЊЕ

Перт је са породицом напустио СССР 1980. године. Најпре су се настанили у Бечу, а потом у Западни Берлин. Овај корак омогућио му је слободу стварања и отварање ка међународној сцени. Сарадња са издавачком кућом „ЕЦМ Рецордс”, започета албумом „Табула Раса” (1984), донела му је светску препознатљивост и поставила га у сам врх савремене класичне музике.

Истовремено, живот у новој средини отворио му је прилику да упозна различите културне и музичке традиције, да сарађује са извођачима широм Европе и света, и да у свом стваралаштву још снажније истражује концепт тишине, простора и духовне дубине који ће касније постати препознатљив знак његовог стила.

У 2025. години Перт је и даље активан композитор, а његов 90. рођендан обележен је бројним фестивалима, концертима и посебним издањима широм света, што додатно потврђује трајност и актуелност његовог дела и утицаја.

Табула Раса (1984), музичко дело које ствара атмосферу чисте, молитвене тишине кроз минималистичку структуру и суптилне полифоне текстуре.

ПОРОДИЦА И ТИШИНА

Пертов приватни живот остао је углавном изван јавне пажње. Ожењен је Нормом, са којом има двојицу синова, Михајла и Петра. Породица је имала кључну улогу у његовом животу, посебно током периода емиграције, кад су напустили Совјетски Савез и започели нови живот у Западном Берлину, у скромним условима и далеко од медијске пажње.

Према његовом сведочењу, подршка и блискост породице пружали су му осећај стабилности и сигурности, омогућавајући да своју енергију усмери на истраживање музичких идеја и духовних димензија у стварању. Од почетка двехиљадитих година Перт се вратио у Естонију, где живи у Лауласмаију, недалеко од Талина. Тамо је 2018. године отворен Арво Перт центар, институција посвећена очувању и проучавању његовог дела.

Приватно, Арво Перт и данас води повучен и аскетски живот, испуњен молитвом, читањем светих текстова и свесним одбијањем јавног експонирања. Управо та скромност и усредсређеност на унутрашњи свет чине важан део његове уметничке поетике.

Композиција Укуару Wалтз (1973), израсла је из једноставне народске мелодије у снажан музички симбол љубави, дома и воље за живот, дубоко укорењен у естонском културном памћењу.

ТИНТИНАБУЛИ – МУЗИКА ИЗМЕЂУ ЗВУКА И ТИШИНЕ

Најзначајнији Пертов допринос савременој музици јесте тинтинабули стил, развијен 1976. године. Ова техника, инспирисана звуком звона (лат. тинтиннабулум), заснива се на односу две гласовне линије: мелодијске (М-воице), која се креће степенасто, и тријадне (Т-воице), која „звони” око централног тона.

Резултат је музика изузетне сведености, у којој тишина и простор између нота добијају подједнаку важност као и сам звук. Тинтинабули представља јасно одступање од Пертових раних авангардних експеримената. Уместо сложености и техничке демонстрације, у средишту се налази једноставност.

Како је сам Перт записао, „тинтинабули је као светлост која пролази кроз призму – једноставна, а бесконачна”. Иако често почива на строгим, готово математичким структурама, ова музика остаје дубоко емотивна, усмерена ка хармонији, резонанци и унутрашњем миру.

Канон Покајанен (1980), једно од најдубљих духовних остварења – монументална православна композиција у којој се кроз строг аскетизам звука и дуготрајну форму остварује музика као молитва покајања и унутрашњег очишћења.

ПРАВОСЛАВЉЕ И ВИЗАНТИЈСКО ДУХОВНО НАСЛЕЂЕ

Један од кључних тренутака у Пертовом животу било је његово православно крштење 1972. године, након периода дубоких личних и уметничких преиспитивања. У условима совјетског државног уређења, у којем је религија била маргинализована и потискивана, овај чин представљао је истовремено његов духовни избор и унутрашњи отпор. Перт се интензивно посветио проучавању православних текстова, византијских химни и средњовековне музичке традиције, што је снажно утицало на формирање његовог зрелог стила.

Његове духовне композиције, као што су „Канон покајанија” (1980) и „Берлинска миса” (1990), ослањају се на византијско наслеђе кроз модалне структуре, једногласне мелодијске токове и снажан нагласак на светом тексту. У Пертовом случају, византијско наслеђе не представља директну музичку реконструкцију, већ духовни модел на основу којег записује ново дело. Његова музика функционише као „звучна икона” – статична, созерцатељна форма која позива на унутрашње смирење.

Перт музику доживљава као молитву, у којој тишина није празнина, већ знак дубоког присуства. Та димензија његовог стваралаштва превазилази оквире чисто уметничког и задобија теолошку ширину, нудећи духовно искуство и слушаоцима који нису верујући.

Цантус ин мемориам Бењамин Бриттен (1977), тихи реквијем у којем се кроз споро гашење тонова и звук звона музика претвара у чин сећања, жалости и помирења.

КЉУЧНА ДЕЛА И ОПУС

Пертов опус обухвата више од стотину композиција, од којих су многе стекле статус савремених класика. Дело „Фратрес” (1977), у различитим инструменталним верзијама, представља један од најчистијих примера тинтинабули стила, са варијацијама које стварају снажан медитативни ефекат.

Дело „Табула Раса” (1977), за две виолине, клавир и камерни оркестар, симболизује идеју поновног почетка и духовног прочишћења. Међу најпознатија дела спадају и „Спиегел им Спиегел” (1978), минималистичко промишљање за виолину и клавир, као и „Цантус ин Мемориам Бењамин Бриттен” (1977), композиција која кроз канонску форму изражава дубоку жалост и поштовање.

Пертов хорски опус, укључујући и дело „Те Деум” (1985), спаја древне духовне текстове са савременим звучним језиком у јединствену целину. Иако различитих форми и размера, увек носи препознатљиву хармонију тишине и простора, остављајући дубок утисак на слушаоца.

ЗНАЧАЈ И УТИЦАЈ У САВРЕМЕНОМ СВЕТУ

Утицај Арва Перта на савремену музику је немерљив. Он спада међу најизвођеније живе композиторе, а његова дела налазе место у репертоару филхармонија, филмовима, балету и модерном плесу. Добитник је бројних међународних признања, међу којима се издвајају „Праемиум Империале” и „Полар Мусиц Призе”. Обележавање његовог 90. рођендана 2025. године на светским сценама додатно је учврстило његов статус.

Пертов утицај осећа се у делима бројних композитора, од духовног минимализма до ширег културног контекста. Он представља истинску везу између Истока и Запада, преплитајући православну духовност са модерним музичким изразом, притом нудећи слушаоцима простор тишине и смисла у савременом свету који тонски најбоље обележава несносна бука.

Оно што се на крају природно намеће као закључак јесте да је Арво Перт уметник који кроз музику истражује најдубље слојеве људске душе. Његов животни и стваралачки пут, од совјетске Естоније до светске славе, обележен је трагањем за истином, лепотом и унутрашњим миром. Са тинтинабули стилом и снажним духовним наслеђем, Перт наставља да инспирише генерације, потврђујући да музика превазилази границе људске свести. У 2025. години, његово наслеђе је живо, а његова музика вечна.

Хвала АРВО ПЕРТ ЦЕНТРУ

ПРОЧИТАЈ ЈОШ

ЛЕОНАРД КОЕН – **ПЕСНИК ЉУБАВИ, ВЕРЕ И СМРТИ**

ОДАБЕРИ ВИШЕ